La música en el contexto cultural de cada época en función de la diversidad cultural de Bolivia, cultura musical.
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| Curso: | 6° - Educación Musical |
| Libro: | La música en el contexto cultural de cada época en función de la diversidad cultural de Bolivia, cultura musical. |
| Impreso por: | Invitado |
| Fecha: | viernes, 31 de enero de 2025, 00:03 |
Tabla de Contenidos
- 1. Música originaria, folklórica, popular y música académica. Situación de las obras musicales en las coordenadas espacio – temporales.
- 2. La música de otras culturas con valores sociocomunitarios contextualizados.
- 3. Los períodos de la Historia de la Música I: Edad media, renacimiento, barroco y clasicismo
- 4. La función social de la música en la diversidad cultural. Música y sociedad en función de los valores sociocomunitarios.
1. Música originaria, folklórica, popular y música académica. Situación de las obras musicales en las coordenadas espacio – temporales.
a
2. La música de otras culturas con valores sociocomunitarios contextualizados.
La música en Latinoamérica.
La música popular latinoamericana, es fruto de una mezcla de culturas que se ha producido a lo largo del tiempo.
En primer lugar la cultura de las diferentes poblaciones indígenas que vivían allí antes de la llegada de los europeos, como los incas, los aztecas, los mayas, que desarrollaron civilizaciones con una organización social y económica compleja, de las que son testimonios los impresionantes templos y construcciones arquitectónicas que se han ido descubriendo hasta hoy en día.
Gracias a las excavaciones arqueológicas y a los estudios musicológicos podemos conocer cómo eran los instrumentos y el papel que ocupó la música en las distintas civilizaciones precolombinas.
La música estaba presente en la mayor parte de las celebraciones religiosas en las que se danzaba y entonaban canciones que les ayudaban a alcanzar visiones espirituales. También tenía una fuerte presencia en las corte, así, por ejemplo, en la civilización Inca, el monarca tenía músicos a su servicio para su entretenimiento.
Con los datos aportados por los diferentes estudios podemos afirmar la riqueza instrumental que presentaba la música de estos pueblos: Flautas verticales y horizontales, instrumentos de cuerda, y una gran riqueza en los instrumentos de percusión (todo tipo de tambores, sonajeros, timbales, etc.).
En segundo lugar, la cultura de los europeos que llegaron al continente a partir del siglo XV, principalmente española, (que jugó un papel más importante debido a la extensión de sus conquistas), portuguesa e inglesa. Y por último la cultura de los africanos llevados a América como esclavos. Esta rica mezcla de culturas, proporcionaría una gran variedad y originalidad en el campo musical.
Características de la música latinoamericana:
A pesar de la gran diversidad en cuanto a sus orígenes y su evolución, podemos encontrar algunas características comunes.
- La melodías son sencillas y de ámbito limitado.
- Se emplean textos con métrica y rima europeas, así como onomatopeyas y sílabas sin sentido para marcar los acentos o para completar la letra de las canciones.
- La riqueza rítmica, y la importancia de los instrumentos de percusión, derivado sobre todo de la influencia de la música africana sobre todo en El Caribe, Brasil, Venezuela o Colombia.
- Generalmente, la música, tanto cantada como instrumental se emplea para acompañar las danzas.
- Destacar la influencia española tanto en canciones (romances, coplas, etc.) como en la danza (rasgos coreográficos del folclore español, zapateado, chasquido de dedos, ritmos, etc.)
Instrumentos De
los instrumentos autóctonos destacar la flauta de Pan, que recibe distintas
denominaciones según los lugares. Presenta
una gran variedad en cuanto al tamaño y número de los tubos, ha sido utilizada
desde antiguo en países como Perú, Bolivia, Ecuador, Chile, etc. La
quena es una sencilla flauta de caña, con los dos extremos abiertos y una
pequeña muesca en forma de “V” en la parte superior, presenta 5 o 7 orificios.
Se utiliza como instrumento solista en el acompañamiento de las danzas, así
como instrumento acompañante en canciones populares. La
Quena recibe distintos nombres según su tamaño y tonalidad.
Encontramos así Quenas que van desde los 15 cm. hasta las que alcanzan los 120 cm. Destacar
la riqueza en los instrumentos de percusión, encontramos tambores, timbales,
sonajeros, claves, cencerros, raspadores, congas, etc. Muchos de ellos de clara
ascendencia africana. 
Como
el charango, que es una guitarrilla de cinco pares de cuerdas, que en su origen
tenía como caja de resonancia el caparazón de un armadillo. 
Así como otros instrumentos europeos de viento madera y de viento metal como trompetas, etc.
Argentina
Argentina
quizás sea el país que mejor ha sabido combinar la tradición folclórica con las
circunstancias en que se desarrolla la música popular moderna. De
Argentina destacamos el Tango, que constituye la expresión musical de la
cultura urbana de Buenos Aires. El tango nació en la segunda mitad del siglo
XIX en Buenos Aires, tras años de evolución e influencia europea, se convierte
en canción y baile de tono generalmente desgarrado, nostálgico, expresando el
desengaño, el conflicto amoroso y social. En
principio, fue un baile de las clases populares, pero con el tiempo pasará de
ser un estilo minoritario y con cierta mala reputación, a conquistar los
salones de baile y las salas de concierto de todo el mundo. Carlos Gardel fue
el cantante clásico del tango. Astor Piazzolla lo ha desarrollado mezclándolo
con el jazz y otros estilos musicales. Se interpretaba inicialmente con violín,
guitarra y flauta, incorporándose más
tarde el bandoneón, que es un pequeño acordeón procedente de Alemania, el
contrabajo, el clarinete, etc. Como la mayoría de la música americana, el tango
es una mezcla de melodías europeas, percusión africana y sobre todo la milonga,
canción típica de los gauchos. Pero la música de
Argentina, no es sólo el tango, está formada por una gran variedad de canciones
y danzas populares. A
partir de los años 60, en diversos países latinoamericanos se impusieron
dictaduras militares al frente de los gobiernos, que originó el nacimiento de
una generación de cantantes que renovaron el panorama de la canción popular. La
nueva canción se extendió por todo el mundo, conservando los dos rasgos más
importantes que la definen: la intención de denuncia social, junto a
estructuras rítmicas y melódicas basadas en el repertorio tradicional. Algunos
cantantes alcanzaron gran popularidad, sus canciones denunciaron situaciones de
injusticia y dieron a conocer formas musicales hasta entonces minoritarias (milonga,
zamba, son, etc.) En Argentina el
padre de los nuevos cantores fue Atahualpa Yupanqui (1908-1992). Atahualpa
Yupanqui, absorbió la cultura tradicional andina, conviviendo con los indios
durante años, durante los cuales aprendió su lengua y extrajo materia prima
para sus canciones. Fue un gran conocedor de la música tradicional Argentina, y
su obra es una de las más altas expresiones de la música popular latina. Alcanzó fama
internacional en 1948, cuando cantó en París junto a Edih Piaf (gran cantante
francesa). Mercedes
Sosa, es otra de las figuras de la canción popular Argentina, se integró en el
movimiento internacional que unía los mensajes de denuncia social sobre las
melodías populares. Tras la dictadura militar, sus conciertos fueron prohibidos
y se instala en Europa, volvió a dar conciertos en su país en 1884. Su música ha sido declarada Bien de Interés
Cultural, ha sido embajadora en la Unicef
para la infancia, actualmente defiende causas indígenas y ecológicas. Chile Destacamos
en este país entre otros cantantes a Violeta Parra que compuso entre otras
importantes canciones “gracias a la vida” que se convirtió en la canción más
representativa de la época. Victor
Jara (1932-1973), uno de los principales músicos de la nueva canción chilena.
Autodidacta, compositor, músico, incorporó elementos folclóricos y populares en
su obra. Relacionado también con el teatro, será embajador cultural del
gobierno de Salvador Allende, compuso música para ballet y televisión. En 1973,
tras el golpe militar de Pinochet, fue detenido, torturado y asesinado a los 41
años. Quilapayun,
fue un grupo que rompió con los patrones marcados por los numerosos conjuntos
folclóricos de la época, con sus nuevos planteamientos éticos y estéticos,
incorporándose al movimiento de la nueva canción chilena. Su primer director
fue Victor Jara durante 1966-69. Durante el golpe militar se encontraban fuera
de Chile, instalándose en Francia, actualmente su actividad se desarrolla entre
Francia y su Chile natal, siendo hoy un claro exponente de la música popular
latinoamericana. Perú Una
de las personalidades más importantes de la música peruana fue Chabuca Granda
(1920-1983), se dedicó a estudiar la música popular, cantaba valses criollos,
siendo “La flor de la canela” uno de los más cantados y versionados. Se
introdujo en las fiestas de negros y mulatos, donde trataría a maestros de la
guitarra y a ilustres cajoneros. Su influencia fue inmensa dentro y fuera de
Perú. Mexico Destacaremos
dentro de las formas populares mexicanas, los corridos y las rancheras. Los
corridos son composiciones populares relacionados con los romances españoles,
son crónicas cantadas que narran historias de héroes nacionales o historias de
origen folclórico. Los mariachis, es la agrupación de la música tradicional
mexicana, que suele estar compuesta por violines, guitarras, guitarrones y
trompetas. Una de las mejores cantantes de la música mexicana (corridos,
rancheras, etc.) ha sido Chavela Vargas. Brasil La música popular brasileña, es una de las aportaciones más genuinas,
en la que confluyen elementos melódicos de Portugal, la rítmica africana y las
raíces indígenas americanas. Entre las diversas
formas musicales populares brasileñas, destacaremos las dos más importantes: -
Samba: es la danza más conocida y
bailada, con un ritmo muy marcado y vivo,
de origen angoleño, en torno a 1920 se convirtió en la música preferida
de lo, barrios pobres de Río de Janeiro, alcanzando posteriormente el rango de
símbolo nacional a partir de los carnavales. -
Bossa-Nova: Es un tipo de canto
tranquilo, intimista que surgió por la influencia del jazz, nació en los años
50, en el sur de la ciudad, muy lejos del alegre bullicio del ritmo de los
carnavales. Uno de sus primeros cantantes fue Joao Gilberto, quien empleó una
nueva forma de acompañar con la guitarra, manteniendo un ritmo entrecortado y
ligeramente desfasado con el canto, rasgo que se sigue manteniendo como
característica de la Bossa-Nova. Otros
intérpretes de Bossa-Nova son Vinicius de Moraes, Toquinho, Astrud Gilberto,
Caetano Veloso, etc. El Caribe Las islas del caribe integran una amplia variedad de naciones y
culturas, cada una de las cuales ha desarrollado una música propia. Estos
diferentes estilos musicales han sufrido un largo proceso de transformación
hasta nuestros días, marcado fundamentalmente por la combinación de elementos
africanos y occidentales. Elementos africanos: La
utilización de determinados instrumentos como los raspadores, las claves, las
maracas, las congas, los bongos, etc., derivados de instrumentos propios de la
música de las distintas culturas africanas. Otro elemento fundamental de la influencia musical africana en las
músicas del caribe, es el ritmo, y con él la polirrítmia, la síncopa y los
movimientos característicos de los bailes. También destacar la abundancia de
formas vocales con la estructura de llamada-respuesta, en las que un solista
alterna con el coro. Elementos occidentales: la
utilización de la armonía, propia de la música occidental, la adopción de
ritmos característicos de canciones y bailes folclóricos en las islas de mayor tradición hispana, así
como la influencia de bailes de salón europeos. La incorporación de
instrumentos de bandas y orquestas, como contrabajos, trombones, trompetas,
violines, arpas, etc. Y por último la incorporación de la guitarra, introducida
por españoles y portugueses, de la que surgieron instrumentos propios como el
tres cubano, o el cuatro portorriqueño. En
el Caribe podemos destacar tres grandes zonas atendiendo las influencias
culturales europeas: La zona de influencia hispana: Cuba, Puerto Rico y la
Republica Dominicana. Jamaica y otras islas de influencia inglesa. Haití,
Guadalupe, Martinica, etc. de influencia francesa. Cuba La música caribeña más representativa del área hispana es la de Cuba,
algunos de cuyos géneros han influido de manera importante en el conjunto de la
música contemporánea. Esta
influencia comienza hacia 1930, cuando numerosos músicos cubanos se instalan en
Nueva York. Cuando las orquestas cubanas llegaron a EEUU, sus colegas
norteamericanos contaban únicamente con la batería para marcar el ritmo, por
ello las formaciones cubanas asombraron tanto al público con el ritmo de sus
congas, bongos, timbales, maracas, claves, etc. Será en los años sesenta cuando
surge lo que se conoce con el término de “salsa”, una música que mezcla la
música cubana, jazz, rock, etc.
3. Los períodos de la Historia de la Música I: Edad media, renacimiento, barroco y clasicismo
La musica en el Renacimiento era una parte esencial de la vida civil,y religiosa. El rico intercambio de ideas en Europa, como los sucesos políticos, económicos y religiosos en el periodo 1400 a 1600 en base a algunas caracteristicas del barroco dieron sitio a importantes cambios en los estilos de composición, los métodos de difusión de la música, los nuevos géneros musicales, y el desarrollo de instrumentos. La música más esencial del primer Renacimiento fue compuesta para ser usado por la iglesia-polifónica (compuesto de múltiples armonías simultáneas) misas y motetes en latín para esenciales iglesias y capillas de la corte. A fines del siglo XVI, no obstante, el patrocinio se dividió entre muchas áreas: la Iglesia Católica, las iglesias protestantes y los tribunales, apasionados ricos, y la impresión a toda la música eran las fuentes de ingresos para los músicos. A principios del siglo XV fue dominado en un inicio por el Inglés y músicos europeos del norte.
CORTE DE BORGOÑA
Fue singularmente influyente, y atrajo a músicos de toda Europa. El más esencial de ellos fue Guillaume Dufay (1397-1474), cuya oferta musical variada incluido motetes y misas por los servicios de la iglesia y la capilla, muchos de cuyos grandes estructuras musicales basadas en el canto gregoriano existente. Sus muchos pequeños ajustes de la poesía francesa muestran un lirismo melódico dulce ignota hasta su temporada. Con su dominio de la manera musical a gran escala, como su atención al texto-entorno secular, Du Fay preparó el escenario para las próximas generaciones de músicos renacentistas.
Por en torno a 1500, la música letrada europea estaba dominada por los músicos franco-flamencos, el más importante de los que fue Josquin Desprez (1450-1521). De la misma manera que muchos músicos señalados de su temporada, Josquin viajó extensamente por toda Europa, trabajando para clientes del servicio en Aix-en-Provence, París, Milán, Roma, Ferrase y Condé-sur-l’Escaut. El intercambio de ideas musicales entre Francia, Países Bajos, Italia y dio sitio a lo que podría considerarse un estilo europeo internacional. Por una parte, la polifonía o bien la música multivoiced con su estilo de contrapunto horizontal seguido desarrollando en dificultad. Al tiempo, la armonía basada en una predisposición vertical de intervalos, incluyendo terceras y sextas, fue explorada por sus texturas y llenos de pertinencia a fin de que acompañe a una línea vocal. La música de Josquin resume estas tendencias, con el estilo del Norte complicada polifonía usando cánones, armonías preexistentes, y otras estructuras compositivas sin inconvenientes fusionó con la inclinación italiana para establecer con ingenio palabras con las armonías que resaltan la poesía en vez de disfrazarlo con la dificultad. Josquin, como Du Fay, compuesta primordialmente misas y motetes latinos, mas en una inacabable pluralidad de estilos. Su producción secular incluye ajustes de poesía cortesana francesa, como Du Fay, sino más bien asimismo arreglos de canciones populares francesas, música instrumental, y frottole italiano.
Con el comienzo del siglo XVI, en la música del renacimiento europea se generaron una serie de cambios trascendentales en 1501, el impresor veneciano llamado Ottaviano Petrucci publicó la primera compilación esencial de la música polifónica, el Harmonice Musices Odhecaton A. El éxito de Petrucci condujo por último a la música.
IMPRESIÓN DE LA MUSICA INSTRUMENTAL EN EL RENACIMIENTO
En Francia, Alemania, Inglaterra, y en otros paises. Ya antes de 1501, toda la musica en el renacimiento debía ser copiada a mano o bien aprendido de oído; libros de música eran propiedad exclusiva de los establecimientos religiosos o bien cortes exageradamente ricas y los hogares. Tras Petrucci, al tiempo que estos libros no eran económicos, se hizo posible para un número considerablemente mayor de personas que tienen que aprender a leer música.
rácticamente al tiempo, la tecnología de instrumentos condujo al desarrollo de la viola da gamba. Una con trastes, se inclinó instrumento de cuerda. músicos europeos apasionados de medios acometió la flauta, como el laúd, la grabadora, el clave, el organo barroco y otros instrumentos. La viola de gamba y la grabadora se jugaron juntos en consortes o bien conjuntos, y para facilitar esto frecuentemente se genera en las familias o bien en conjuntos, con diferentes tamaños que juegan las distintas líneas. Publicaciones de Petrucci y otros proveen estos jugadores por vez primera con la música anotada (en contraposición a la música improvisada que desempeñan los instrumentistas profesionales). El siglo XVI fue testigo del desarrollo de la musica instrumental del renacimiento como la canzona, ricercare, fantasia, alteraciones, y las composiciones de danza inspirado en contrapunto, tanto para solistas y conjuntos, como un género realmente diferente y también independiente con sus modismos separado de formas vocales y práctica acompañamiento al baile.
Los instrumentos representados en el estudio del duque Federico da Montefeltro de Urbino (1479-1482) representan tanto su interés personal en la música y el papel de la música en la vida intelectual de un hombre del Renacimiento educado. Los instrumentos se ponen al lado de múltiples instrumentos científicos, libros y armas, y que incluyen un órgano portátil, laúdes, violín, cornetti, un cuerno de caza,una flauta, tambor, un anillo de harpa, tintineo, un rabel y una lis.
Desde 1520 hasta finales del siglo XVI, los músicos de toda Europa emplean el lenguaje polifónico de la generación de Josquin en la exploración de la expresión musical mediante la canción francesa, el madrigal italiano, el tenorlieder alemán, el villancico de España, y la canción Inglés, como en la música sagrada.
la Reforma y contrarreforma afectó de manera directa a la polifonía sagrada de estos países. Las revoluciones protestantes (sobre todo en el norte de Europa) cambiaron en sus actitudes cara la música sagrada, con lo que dichos cambios arte como la introducción de himnos parcialmente simples en idioma alemán (o bien corales) cantadas por la congregación de los servicios luteranas. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525/26-1594), profesor de capilla en la Cappella Giulia al lado de San Pedro, en la ciudad de Roma, es visto por muchos como el icónico músico alto renacimiento de la Contrarreforma música sagrada, que cuenta con líneas claras, una pluralidad de texturas, y una reverencia musicalmente expresiva de sus textos sagrados. El inglés (y católico) músico William Byrd (1540-1623) a horcajadas sobre los 2 mundos, componiendo obras-mandado mensajes de texto latino para la Iglesia Católica.c
3.1. Música Barroca
Música Barroca
Georg Friedrich Händel: (Halle, Alemania, 23 de febrero de 1685 – Londres,14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado britanico, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.
Entre sus numerosas óperas y oratorios, cabe mencionar: Agrippina (1709), Rinaldo (1711), Amadigi di Gaula (1715), Giulio Cesare in Egitto (1724), Tamerlano (1724), Rodelinda (1725), Tolomeo (1728), Acis y Galatea (1731), Poro, re dell'Indie(1731), Esther (1732), Atalía (1733), Orlando (1733), Deborah (1733), Ariodante (1735), Alcina (1735), El festín de Alejandro (1736), Saúl (1739), Israel en Egipto (1739), Il Allegro, il penseroso e il moderato (1740), El Mesías(1741), Samson (1743), Sémele (1744), Hércules (1745), Baltasar (1745), Judas Macabeo (1746), Salomón (1748), Susana (1749), Teodora (1750) y Jephtha (1751), que son obras maestras de referencia obligada dentro del género.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.
Franz Joseph Haydn: conocido simplemente como Joseph Haydn ( (Rohrau, cerca deViena, Austria, 31 de marzo de 1732 – Viena, 31 de mayo de 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.
Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original». En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.
Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart, del que incluso se cree que llegó a ser mentor, y fue profesor de Ludwig van Beethoven. La lista completa de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.
3.2. El Renacimiento musical
3.3. Música del Barroco
4. La función social de la música en la diversidad cultural. Música y sociedad en función de los valores sociocomunitarios.
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