La Expresión del Arte y la Diversidad Cultural
| Sitio: | ue.aprendiendomas.com.bo |
| Curso: | 4° - Artes Plásticas y Visuales |
| Libro: | La Expresión del Arte y la Diversidad Cultural |
| Impreso por: | Invitado |
| Fecha: | miércoles, 15 de enero de 2025, 11:46 |
1. El renacimiento y su influencia en américa
El Arte Renacentista
Al iniciar el estudio del arte renacentista queremos hacer algunas precisiones que acoten nuestro trabajo, la primera que nuestro estudio se centrará en las manifestaciones religiosas de este arte, pues una de las características propias del arte renacentista es su presencia en todos los campos artísticos, arquitectura, escultura, pintura… sin relación directa con lo religioso más concretamente con lo cristiano, en el sentido de que no se puede decir del mismo, como por ejemplo del románico, que es un arte nacido de la fe y para la expresión de la fe cristiana.
Lo anteriormente dicho no es obstáculo para afirmar que no tenga también en este campo muy numerosas y ricas producciones, dado que este arte además de buscar entroncarse con el arte de la antigüedad greco-romana, tiene también el propósito de revestirlo con el espíritu cristiano presente en la cultura europea en la Edad Media siendo, en el campo artístico, un movimiento que enlaza con los anteriores estilos especialmente con el románico y el gótico.
El arte renacentista religioso tiene unas características similares a las de sus manifestaciones civiles.
El renacimiento artístico tanto civil como religioso no acota todas las características que el renacimiento tiene en otros campos distintos del arte, como por ejemplo, la filosofía, la teología, la mística y la política, por lo que es permisible partir de un concepto de renacimiento aplicable propiamente al campo artístico.
Por último tal como sugiere el título de nuestro estudio, éste no se limita al estudio del arte religioso europeo sino que tendrá también en cuenta las manifestaciones de este arte en América.
Arquitectura
El renacimiento nace a principios del siglo XV en Italia con el llamado Quattrocento italiano y más concretamente en Florencia ciudad en la que se dan unas condiciones especiales de carácter social, desarrollo económico, evolución de la ciudad que rompe con la estrechez medieval, cuyas murallas comprimen las ciudades que se abren al exterior en busca de luminosidad, la existencia de familias como los Médici convertidos en mecenas de artistas. A partir del siglo XV se extenderá a toda Italia y en el XVI al resto de Europa.
Fillipo Brunelleschi llamado el “padre del Renacimiento” es un creador que sienta las bases de la nueva arquitectura. Otros artistas influenciados por él son Michelozzo, Giulliano da Maiano y su hermano Benedetto, Giuliano da san Gallo
Propio de la arquitectura italiana del siglo XV es su gusto por la decoración detallista, hecha de pequeños adornos que están inspirados en la antigüedad clásica, sirviéndose de modelos y restos antiguos, y sobre todo, en el hallado libro de Vitrubio, titulado De Architectura que da pie al renacimiento de los órdenes romanos y la aplicación de los aspectos marcados por el mismo: orden, disposición, euritmia, simetría, decoro y distribución; la euripmia es la aplicación antropomórfica a la arquitectura que debe ser una imagen de las proporciones del cuerpo humano, en la que cada parte tiene su función dentro de un conjunto armónico.
Pintura Renacentista
La pintura renacentista tiene de igual forma que la arquitectura y escultura su origen en Italia, y más en concreto en Florencia, representa el término de una evolución iniciada en la pintura gótica, la figura de Giotto el punto de inflexión de este término.
La pintura renacentista tiene con respecto a las demás artes de este estilo la ventaja de no disponer de modelos procedentes de la antigüedad clásica lo que permite al artista una mayor libertad y a su una más fuerte creatividad. La pintura renacentista italiana tiene como la escultura varios periodos que se desarrollan a través del siglo XV al XVI.
2. El arte barroco indígena
El Arte Barroco vino al continente Americano por medio de los españoles para que el arte Barroco alcanzara su mayor expresión durante el Siglo XVIII, al mezclarse con los diversos aportes de los indígenas. Esta mezcla da origen a un nuevo Estilo muy característico que ayude a enriquecerse las fachadas de los edificios debido a su recargada decoración denominándose como un estilo nuevo del Arte Barroco.
El Estilo CHURRIGUERESCO.- Este estilo se vuelve totalmente americano al incorporar lo natural a los diversos elementos decorativos de cada región. El Arte Barroco se desarrolló en América de una manera más resaltante en México, donde pasa de ser una imitación del estilo Español a un Estilo Propio, aportando nuevos elementos característicos del indígena, lo que hace que el Barroco se convierta en un Barroco Hispano Indígena.
LA ARQUITECTURA BARROCA INDIGENA.- Las primeras construcciones que se originaron en América, fueron las que recogían formas renacentistas, pero se mezclaron con los gustos indígenas y dieron su origen a una Arquitectura característica del Lugar. Así mismo fueron entrando al continente americano diversos estilos artísticos y decorativos viéndose cada uno de ellos influenciando, ya que se desarrollaron este estilo de una manera muy distinta que en Europa. Los colores son otro elemento importante del arte barroco Colonial mostrándose a través de la piedra, del Ladrillo revocado en blanco la pintura como un tono de óxido rojo, el yeso policromado y los azulejos. Como ejemplo es muy conocido y característico se encuentra en la Fachada de San Francisco de México, done se observa claramente el interior con ladrillos rojizos alternando con azulejos. Tenemos La Iglesia de la Compañía de Jesús, una de las mejores representaciones de este Barroco Indígena en América Latina.
LA PINTURA BARROCA INDIGENA.- La pintura trata de seguir las tendencias españolas de una manera más fuerte que la arquitectura. Entre los colores más utilizados se encuentran los grises el cual fue puesto de moda por los tenebristas. Otra característica de las pinturas barrocas coloniales es la ingenuidad poética, al igual que tratan de traducir de una manera amplia la mezcla del carácter ornamental, típico de este estilo Específicamente en México y Perú se observa claramente el margen de las academias por lo que se demuestra la gran influencia indígena en la pintura.
LA ESCULTURA BARROCA INDIGENA.- La escultura de este período es mucho más menos importante que la Arquitectura ya que la mayoría de las estatuas encontradas en las iglesias eran traídas de España específicamente de la escuela de Sevilla, por lo que influyó de gran manera en el arte colonial americano. A pesar de esto se produjeron diversas tallas en madera policromada con influencia andaluza, pero con innovaciones indígenas. En México las Esculturas es muy pobre prácticamente hasta el siglo XVIII. Tenemos una escultura el Rostro de Cristo Muerto de Gregorio Fernández.
3. El arte plástico en Bolivia: Republicano, neoclásico, realismo y moderno
El período republicano de Bolivia abarca casi todo el siglo XIX. Hasta el año 1935 el contexto en el que se encontraba el país era decadente, pues Bolivia había perdido más de la mitad de su territorio. La frialdad, violencia, y genocidio dado por la desmedida ambición de poder de los políticos y militares de entonces; durante el coloniaje, la venida de misiones religiosas, la mita y la encomienda en Potosí dieron por resultado la pérdida y desvalorización de costumbres y tradiciones de culturas indígenas originarias, quienes para sobrevivir es-tos atropellos tuvieron que adaptarse a la religiosidad y espiritualidad que impartía la iglesia católica; sólo las naciones fuertes y organizadas guardaron sus raíces culturales y comunitarias a través de la transmisión de conocimientos de padre a hijo, tal es el caso de los aimaras, quechuas, y guaraníes que hoy por hoy representan las múltiples caras que Bolivia tiene.
A partir de estos hechos, la expresión artística aborda temas religiosos, históricos e ideológicos en cuanto a la pintura, arquitectura y escultura nuestra.
La Pintura tuvo una fuerte influencia de parte del neoclasicismo, se generaron obras de apariencia enfática y de colorido sobrio.
Los artistas más destacados fueron Manuel Oquendo y Manuel Guniel de Sucre. La iconografía de nuestro país es la más abundante en cuanto a retratos. En la línea de pintores de retratos políticos se destacan Melchor María Mercado y Antonio Villavicencio de Chuquisaca. La modalidad intermedia en-tre retrato y pintura religiosa se halla representada por dos pintores Juan de la Cruz Tapia y Saturnino Porcel. En cuanto a tendencias románticas tenemos a Zenón Iturralde cuyo paisaje de los Yungas (1867), lo colocan dentro de un género que en Bolivia tuvo escasos cultores. Más tarde, después de los años 60 aparecen nuevos artistas como ser: Ted Carrasco, Carlos Rodríguez, Marcelo Callaú y David Paz, y más recientemente, León Saavedra-Geuer, Francine Secretan y Gastón Ugalde. Todos estos artistas a excepción de Rodríguez y Saavedra Geuer, hacen un arte inspirado en el mundo boliviano y los mitos andinos como los cóndores, el misterio de la vida y la muerte en eterna sucesión, el exuberante y lujurioso mundo de los trópicos, logrando obras de gran calidad que definen el arte boliviano.
La arquitectura, a principios del siglo XX se unen las tendencias neoclasicista y el barroco italiano, existen alternancias de curvas y contracurvas, frontones mixtilíneos y decoraciones de estilo rococo. Las obras más importantes del periodo son la Catedral de Potosí (de Manuel Sanahuja), la casa del Mcal. Andres de Santa Cruz (hoy colegio San Calixto de la ciudad de La Paz).
Luego de la fundación de la República, Felipe Bertres y José Núñez del Prado introdujeron el academicismo Francés. Se construyeron así el Teatro Municipal de La Paz y el Palacio de Gobierno, obras de Núñez del Prado. Por su parte Bertres construyó la Catedral de Santa Cruz de la Sierra (1830- 1840) a base de ladrillo con cubiertas y bóvedas interiores. La Catedral de La Paz iniciada por Sanahuja, fue continuada por Bertres, Núñez del Prado, Presbítero, Ernesto Vespignani, Eulalio Morales y Antonio Camponovo.
Durante este período, se realizó también la arquitectura conmemorativa, como el Arco del Triunfo de La Paz, así como la columna conmemorativa en la Plaza de Potosi. En Sucre se construyó la Capilla Rotonda. En 1880 se introdujo el neogótico con la iglesia de San Calixto de La Paz (1880-1882) construida por el padre Eulalio Morales, y la Recoleta (1884-1894). El ejemplo más significativo del eclecticismo es el Palacio de la Glorieta (1900) de Antonio Camponovo. En Cochabamba se destaca el Palacio Portales (1925) encargado por Simón Patiño, proyectado por el arquitecto francés Eugene Bliault.
La escultura, durante la primera mitad del siglo XX se destacan Epifanio Urrias Rodrí-guez, Alejandro Guardia, Fausto Aoiz, Emiliano Luján, Hugo Almaráz, Víctor Zapana, el ceramista Manuel Iturri, y principalmente, María Núñez del Prado, quien es considerada una de las más grandes esculturas de América Latina y quien llegó a ser admirada por personalidades como Pablo Picasso y Gabriela Mistral. La obra de Núñez del Prado se distingue por el uso de estilizadas curvas trabajadas en ónix, granito negro, alabastro y otros elementos, que simbolizan a la mujer indígena, tema que ocupa un lugar central en su arte.