El Dibujo y la Pintura en las Expresiones Artisticas

1. Proceso del dibujo artístico: croquis, boceto y dibujo acabado

El Boceto

La forma más inmediata de expresar una idea técnica es coger un lápiz y un papel y ponerse a dibujar. Al resultado le llamamos boceto. La técnica del encuadre te ayudará a que tu boceto sea proporcionado. Un croquis es un dibujo más elaborado, con dimensiones exactas y realizadas con instrumentos de dibujo.

Un boceto es un dibujo en 2 o en 3 dimensiones, realizado a mano alzada (es decir, sin utilizar instrumentos de dibujo) con el que se pretende representar la idea de un objeto. Un boceto puede contener cualquier tipo de anotación (referida, por ejemplo, a materiales, dimensiones, proceso de fabricación, etc.) Los bocetos técnicos también pueden sombrearse o colorearse, pero no es frecuente.

Después de aprobarse un boceto, se realiza un croquis que es un dibujo en dos dimensiones cuyas formas y proporciones sean bastante exactas porque se han utilizado instrumentos de dibujo.

Acotación

Acotar es indicar en un dibujo las dimensiones que tiene en la realidad. En principio, no se deben indicar las unidades de medida porque se entenderá, salvo que se especifique lo contrario que se trabaja en milímetros. La figura adjunta representa un rectángulo cuyo lado mayor superior está acotado. Esta acotación indica que, en la realidad, ese lado mide 50 mm. La acotación de partes rectas se realiza con:

-          Dos líneas auxiliares de cota (siempre perpendiculares a la arista)

-          Una línea de cota (siempre paralela a la arista)

-          Dos flechas de cota (con puntas rellenas)

-          Una cifra de cota (sin unidades)

Croquis

El croquis es el paso siguiente a la realización del boceto. El croquis, que también se hace a mano alzada, supone ya un nivel muy importante de concreción de las ideas desarrolladas en el boceto. Es decir, que en él el diseño puede darse por definitivo, por lo que se deberá contar con sus dimensiones exactas, tendrá que respetar lo más posible las proporciones del objeto que se quiere representar y se procurará un mayor cuidado en el trazado de las distintas líneas.

2. Bodegón y la naturaleza muerta

La naturaleza muerta o bodegón es uno de los géneros pictóricos mejor asimilados por el público, y a cuatro siglos de su consolidación como vertiente autónoma sigue siendo un remanso para la vista. Su génesis se encuentra en la inquietud por representar puntualmente la Naturaleza: ya en la antigua Grecia se alababa la habilidad de Zeuxis, que según la leyenda pintaba uvas tan reales que eran picoteadas por los gorriones. La costumbre de engañar el ojo con ilusionismo gráfico fue un lugar común en las artes decorativas antes de que con los primeros bodegones en el siglo XVI la imitación del entorno pasara a un primer plano. El oficio fue parte esencial de esta clase de pintura. 

Así, destacan los autores holandeses como Willem Claesz, cuyos logros técnicos son asombrosos y se manifiestan en su exquisita representación de platería, frutos y cubiertos. La burguesía de entonces cotizaba alto dichos trabajos y los pagaba acorde al tiempo (días, meses) que el artista invertía en cada obra. Tal situación fue un síntoma de la transición ideológica y social ocurrida durante el Renacimiento: la burguesía ganó terreno ante la realeza y fue justo en los bodegones donde se proyectó el nuevo poder económico adquirido por esta clase emergente. Hacia 1600 se estableció un orden jerárquico en los temas abordados por los pintores, donde el escalafón más bajo correspondía a la naturaleza muerta y en el punto más alto se hallaban los lienzos históricos o religiosos. En esa misma época Caravaggio replicó que es tan difícil pintar un canasta de frutas como un rostro humano. Lo anterior abrió un álgido debate que dos siglos después cerró Diderot al referirse a los cuadros de Chardin como naturaleza y verdad, tan verdaderas que podrían considerarse arriba de las pinturas históricas. A partir del siglo XVI se planteó que todas las cosas, además de un sentido literal, poseen tres niveles de interpretación: alegórico, moral y místico. La idea aplicada a este arte resultó en el desarrollo de esquemas teológicos dentro de la propia creación. Así, una flor puede representar la virginidad de María, las peras la dulzura de la sangre de Cristo y una nuez equivale al madero de la cruz. La presencia de insectos o roedores era sinónimo del mal operante. De acuerdo con lo último, las obras se convertían en un teatro donde el bien y el mal pugnaban de modo imaginario para producir una moraleja. La naturaleza muerta tiene múltiples clases (de frutas, cacería, mercados, instrumentos musicales, etcétera) donde el más profundo en su sentido figurado es el vanitas, en el cual los artistas proponen la meditación sobre lo pasajero de la vida y los bienes materiales. Una vertiente más sutil, que mezcla simbolismo y oficio como una nueva percepción del espacio, se desarrolla en España, donde autores como Antonio Ponce ofrecen matices espirituales y austeros a sus obras. Un lugar especial ocupan los pocos bodegones, piezas clave, pintados por Francisco de Zurbarán, donde los volúmenes, contornos, sombras y colores se conjugan en un solo esquema de reflexión. Y es que como señala Margit Roswell: la naturaleza muerta es un sistema de objetos, es decir, un conjunto integrado por partes que se interrelacionan y que pueden ser interpretados por su forma y contenido y que en suma, proponen una manera personal de representar la realidad.

3. Teoría del color y sus armonías

El tónico: es el complementario del color de dominio, es el más potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento (alfombra, cortina, etc.)

El de mediación: que actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el círculo cromático cercano a la de color tónico.

Por ejemplo: en una composición armónica cuyo color dominante sea el amarillo, y el violeta sea el tónico, el mediador puede ser el rojo si la sensación que queremos transmitir sea de calidez, o un azul si queremos que sea más bien fría.

Combinaciones

Existen cinco formas clásicas de combinar colores:

Combinaciones Monocromáticas
Consiste en utilizar un solo color y sus matices (Ej. verde claro, verde intermedio y verde oscuro). Esta "monotonía" se puede atenuar: 1) aplicando distintos tipos de texturas que sean las que provoquen contraste y 2) utilizando matices de color muy distanciados (Ej. azul claro, azul oscuro).

Combinaciones por Analogía
Consiste en reunir colores que incluyan todos un mismo color como base (Ej. amarillo, amarillo-verdoso y amarillo-anaranjado).
Esta combinación está dada por colores que en el círculo cromático son adyacentes, ósea que están uno al lado del otro. Por ejemplo, un color primario y los dos que están a su lado.

Combinaciones de Complementarios

El complementario es aquel color que trazando, en el círculo cromático, un diámetro desde cualquier color, es tocado por ese diámetro (Ej. verde y rojo). Los complementarios de los primarios, por ejemplo, son los secundarios.
Las combinaciones de colores complementarios producen el mayor grado de contraste sin caer en la desarmonía. En decoraciones aburridas o poco vitales, podemos animarlas con detalles en colores complementarios.

Combinaciones por Complementos Divididos
Esta combinación se consigue utilizando un color y los adyacentes de su complementario.

Combinaciones por Tríos Armónicos
Tomando como punto de partida cualquier color, podemos trazar un triángulo equilátero en el círculo cromático, que nos dará, en sus vértices, los otros dos colores restantes que forman el trío armónico. Por lo tanto, el trío armónico está formado por los tres colores que quedan en los vértices si trazamos un triángulo equilátero en el círculo cromático.
De esta manera los primarios forman un trío armónico entre sí, igual que los secundarios. Por tratarse de una combinación demasiado violenta (colores que "chocan" entre sí), se utilizan relativamente poco y con mucho cuidado.

4. Pintura con pigmentos naturales de la región

Los pigmentos son un material que cambia el color de la luz que refleja como resultado de la absorción selectiva del color. Pueden ser de origen mineral o biológico (vegetal) y son utilizados para teñir pintura, tinta, textiles, alimentos, etc.

En la prehistoria se usaban básicamente los siguientes:

- Blanco: de caliza, de yeso, de creta (depósitos fósiles marinos). Son poco cubrientes y se borran fácilmente.

- Negro: de carbón (de la carbonización de la madera), de humo (hollín, polvo negro). En Altamira el negro se hace de pirolusita, un mineral de manganeso, pero no es usual.

- Ocres: Son tierras naturales y dependiendo de su composición dan distintos tonos, del amarillo crema al rojo. Son colores muy estables.

- Verde: de tierra, de plantas (no son muy usuales ninguno de los dos)

La mayoría de los pigmentos los conocemos como colorantes secos, usualmente en forma de polvo fino. Este polvo es añadido a un vehículo o matriz, un material relativamente neutro o incoloro que actúa como adhesivo, pero también los podemos obtener de la misma fuente como la verdura o la tierra de donde proviene.

Las tierras de colores son determinados minerales o tierras que, una vez aglutinados, son usados en la pintura, como pigmentos para obtener diversos colores. Las tierras de color son un tipo de pigmento natural.

Pigmentos minerales: